Dans mes livres de jeu de rôle et autres communications sur le sujet, j’ai pris l’habitude de dire « figurants » au lieu de dire PNJ (ou personnage non-joueur).

Il y a plusieurs raisons à cela.

Sans doute, d’abord, une envie personnelle de marquer le lampadaire rôliste de ma patte personnelle, reprenant à mon compte la manie auctoriale de renommer le MJ de 36 000 façons (mode à laquelle j’ai d’ailleurs succombé : Confidente dans Inflorenza, Garde Forestière dans Arbre, arbitre dans Écorce et Marchebranche…). Lors de la première rédaction d’Inflorenza, j’ai eu cette lubie de donner un nom exotique à chaque terme technique, chose qui a en partie été corrigée suite aux râles d’agonie de l’équipe de relecture.

pietplaat, cc-by-nc, sur flickr.com

Avant d’aborder la raison principale pour employer le terme « figurant », je voudrais dire pourquoi cette manie n’est pas resté une passade. Deux ou trois ans après l’apparition de « figurant » dans Inflorenza (Millevaux Sombre emploie encore PNJ par souci d’homogénéité avec le jeu Sombre dont il est un supplément), je me suis à employer le terme « joueuse » au lieu de « joueur » pour marquer la mixité dans notre loisir (et mon désir qu’elle s’accroisse). Il devenait alors difficile de réemployer PNJ qui était implicitement genré au masculin : personnage non-jouEUR. De surcroît, mon souci d’harmonie avec le terme « joueuse » s’est accompagné de la conservation d’un autre terme employé dans Inflorenza : « personnage » pour dire PJ (personnage-joueur). A nouveau, l’acronyme PJ impliquait personnage-jouEUR, tandis que « personnage » ne présumait pas du genre de la personne qui l’incarnait. (Et OUI, le neutre masculin n’est pas le genre masculin, j’en conviens, mais je suis à la recherche de solutions élégantes. Et NON, joueuse n’est pas français puisque le neutre féminin n’existe pas en français).

Pour aller plus loin :
C’est l’histoire d’une joueuse, Coralie David et Jérôme Larré, sur Lapin Marteau

L’emploi de « personnage » et de « figurant », deux termes masculins, avait un avantage lexical en juxtaposition avec le terme « joueuse » : puisque la personne incarnante est au féminin et que le rôle incarné est au masculin, on évite les confusions à la lecture, confusions qui sont en revanche très fréquente avec le terme « PJ » qui désigne parfois indifféremment personnage ET joueuse. Le Grümph va un peu plus loin dans ses jeux récents, puisqu’il féminise aussi le MJ, qui devient meneuse de jeu. On observe alors une juxtaposition élégante entre la personne incarnante, au féminin (joueuse, meneuse de jeu) et les rôles incarnés, au masculin (personnage, figurant).

La dernière raison, celle qui motive cet article et qui je pense m’a convaincu en premier lieu de l’emploi des termes « figurant » et « personnage » au lieu de « PNJ » et « PJ », est de l’ordre du roleplay. Elle tient à la conception personnelle que je me fais de ces rôles.

Les termes « PNJ » et « PJ » associent un rôle à une personne, cela peut engendrer des confusions et cela dénote un parti-pris avec lequel je suis en désaccord. Inflorenza a été rédigé pour des débutants (il ne m’appartient pas de dire si j’ai réussi mon pari ou non), et selon moi et d’après ce que j’ai observé sur mes tables, « figurant » est plus facile à comprendre que « personnage non-joueur ». On pense vite aux figurants du théâtre ou du cinéma. Je conviens que l’emploi du terme est un peu incorrect dans le sens où mes figurants, en tant que synonyme de PNJ, ne sont pas uniquement des rôles de second plan : un figurant peut être la némésis ou le meilleur ami d’un personnage, et avoir un temps d’audience considérable. Mais je pense que naturellement, à l’écoute du terme « figurant », la joueuse comprend aussitôt « un rôle qui n’est pas le héros ».

Le terme « figurant », dans l’optique de présenter le jeu de rôle à des profanes, me permet d’élaborer une définition du média qui se passe d’explications superflues : « On joue une aventure imaginaire à plusieurs. Certaines joueuses incarnent un personnage tandis que la meneuse de jeu incarne le décor et les figurants. S’il n’y a pas de meneuse de jeu, alors les joueuses se partagent l’incarnation du décor et des figurants. »

Le terme « PNJ » atteint un véritable paradoxe quand il est réinvesti dans le GN pour désigner les rôles pilotés par les orgas, faire-valoir, antagonistes ou mentors des PJ. Ainsi donc, on appelle « personnage non-joueur » un rôle… incarné physiquement par une personne. Dans mon GN Les Sentes, je reprends le terme de figurant et je n’assigne ce rôle à personne : Les Sentes ne recrute pas de personnel pour incarner des figurants. A la place, les joueuses peuvent de temps à autre, si l’envie leur en prend ou pour rendre service ou si leur personnage est hors-jeu, abandonner la peau de leur personnage pour incarner un figurant.

Dans Inflorenza, les figurants sont des rôles qui vivent dans l’ombre mais ne demandent qu’à prendre la lumière. On ne crée pas forcément son personnage dès le début du jeu, et dans les premières minutes de la partie, on peut tout à fait s’accaparer un figurant précédemment décrit pour en faire son personnage, tout comme après la perte de son personnage, on peut s’accaparer un autre figurant plutôt que de créer un nouveau rôle de zéro. C’est une technique qui m’a été inspirée par le jeu de rôle Sombre, de Johan Scipion, qui confie un rôle de méchant aux joueuses dont le personnage vient de mourir : une façon de rester toujours dans le jeu, sans passer par une fastidieuse recréation de personnage.

Inflorenza étant (la plupart du temps) un jeu de rôle sans MJ, le terme « PNJ » n’a pas vraiment de sens. Habituellement, on comprend « PNJ » comme « personnage du MJ » puisqu’il n’est incarné par aucune joueuse. Mais en l’absence de MJ, les PNJ sont incarnés par l’ensemble des joueuses. Le terme « personnage non-joueur » perd alors son sens. « Figurant » convient mieux, car il ne présume pas de la personne qui l’incarne. En outre, dans les jeux avec MJ, j’ai l’impression que le MJ n’a pas l’exclusivité du contrôle des PNJ. Lors de la création de personnage, les joueuses créent des PNJ en évoquant leurs compagnons, leurs némésis, etc. Et en cours de jeu, même dans les cas où le MJ centralise le plus l’autorité sur les PNJ, les joueuses disent encore beaucoup sur eux, par leurs commentaires, leur interprétation, ou tout simplement en modifiant leur état (par des actions physiques, sociales ou magique, par exemple). Vraiment, je pense que les PNJ sont gérés par toute la table, en fait.

Pour aller plus loin :
Grégory Pogorzelski, Le chambellan qui pue, sur Du bruit derrière le paravent
Thomas Munier, L’interprétation, Podcast Outsider

Et je revendique aussi cette assertion pour les personnages. Le terme « personnage-joueur » présume que le personnage est exclusivement contrôlé par une joueuse. C’est faux dans mon paradigme de jeu, et je pense que mon rapport au personnage induit la définition assez large que je peux avoir du terme « jeu de rôle ». J’ai du mal à imaginer que la joueuse puisse contrôler son personnage tout le temps.

La base de jeu de rôle lui impose beaucoup de contraintes (choix d’un archétype, questionnaire de création, etc.), les mécaniques du jeu également (perte des points de vie impliquant des malus ou la mort du personnage, liste fermée de compétences ou de moves téléguidant les réactions du personnage), la meneuse de jeu (que ça soit par le truchement des mécaniques, ainsi à L’Appel de Cthulhu, il est courant qu’à l’occasion d’une perte de santé mentale, la meneuse de jeu impose un type de folie, ou par un procédé affranchi des mécaniques et relevant de la direction artistique tel que la description des émotions du personnage par la meneuse du jeu, son historique familial et social, etc.)… et même les autres joueuses (sans aller jusqu’à prendre l’exemple de jeu décentralisant la narration à l’extrême, les autres joueuses ont une influence sur votre personnage par leurs commentaires, leur interprétation, ou par toute action physique, sociale ou magique visant votre personnage).

Si je fais du jeu de rôle solo, je ne m’attends pas pour autant à avoir un contrôle total sur mon personnage. Je sais que le livre de jeu et les mécaniques vont me contraindre et me surprendre, et c’est ce dont j’ai besoin pour avancer. C’est pour cette raison que mon jeu de rôle solo Bois-Saule peut parfois être assez invasif, allant jusqu’à imposer des émotions au personnage.

A minima, on peut dire que la joueuse contrôle la plupart du temps son personnage, mais pas qu’elle le contrôle tout le temps. Le personnage appartient à tout le monde. Les jeux vont essentiellement se différencier par les aspects du personnage réservés au contrôle de la joueuse et ceux réservés au contrôle de tiers (univers, règles, meneuse de jeu, autres joueuses). Ainsi, si l’on peut dire, dans L’Appel de Cthulhu, la joueuse contrôle son personnage quand il est en forme et que sa chance aux dés et la déveine aux dés des tierces parties l’épargnent. Mais quand les dés s’en mêlent, le contrôle lui échappe : perte de points de vie et de santé mental, gain de folie… Quitte à ce qu’il soit ensuite demandé de jouer les conséquences de cette perte de contrôle (ainsi, à  L’Appel de Cthulhu, j’ai vu comme pratique commune de laisser la joueuse interpréter elle-même la folie imposée par les tables aléatoires ou la meneuse de jeu). Dans Inflorenza, votre personnage semble à peine vous appartenir : l’ensemble de la tablée peut dire ce qu’elle veut sur lui. Cependant, vous conservez toujours le dernier mot à son sujet : vous pouvez donc annuler ce qui a été dit sur lui, et même refuser la conséquence d’un jet de dé. Dans les pratiques rôlistes issues du théâtre d’improvisation et soucieuses de sécurité émotionnelle, on recourt à une habitude qui fait la jointure entre ces deux approches : les autres peuvent dire à peu près ce qu’ils veulent sur votre personnage, et lui infliger à peu près ce qu’ils veulent, mais il vous appartient de décrire l’impact et les conséquences.

Pour aller plus loin :

Eugénie, Changer de paradigme : C’est celui qui subit qui décide, conférence à Orc’Idée

Je pense que la médiation par le personnage est un facteur important de ce qui constitue à mes yeux un jeu de rôle, tant et si bien que j’inclus volontiers Loups-Garous de Thiercelieux, Les Chevaliers de la Table Ronde, Horreur à Arkham ou même les escape games dans la catégorie des jeux de rôles, malgré leur composante roleplay assez limitée (mais tout à fait présente cependant).

Pour certain.e.s, la différence entre jeu de rôle et story game est la suivante : dans un jeu de rôle, on tente de résoudre des situations, tandis que dans les story games, on préfère les décrire. Autrement dit, en jeu de rôle, on cherche à résoudre les problèmes de son personnage, et dans les story games, on cherche à raconter l’histoire de son personnage. Cette définition, proposée par Coralie David, me rappelle la distinction que fait Frédéric Sintes entre jeux de rôle où on défend son personnage et jeux de rôle où on est auteurice de son personnage, et les deux définitions sont tout à fait claires et fonctionnelles. Elle ne correspondent juste pas à la façon dont j’appréhende les choses. Si à un moment donné, je me mets dans la peau d’un personnage, que ce soit pour le défendre ou pour m’en servir pour raconter une histoire, j’ai le sentiment de faire du jeu de rôle. C’est pour quoi quand je joue à Polar Base (jeu insistant sur le fait qu’on est « scénaristes d’un film » mais donnant à interpréter, en plus de figurants, un personnage principal à chaque joueuse) ou à Les Sauveurs (jeu donnant un script assez serré pour interpréter son personnage au cours de chapitres successifs), je le vis comme un jeu de rôle et non comme un story game ou un checkpoint game.

Pour aller plus loin :
Coralie David et Jérôme Larré, Légitimation et diversification des jeux de rôle, dans le recueil Le jeu de rôle sur table, un laboratoire de l’imaginaire, ed. Classiques Garnier (collection Lettres Modernes Minard), 2019
Frédéric Sintes, « Mode auteur » et « Plaider pour son personnage » #1, sur Limbic Systems

En revanche, l’équivalence une joueuse = un personnage n’est pas à mes yeux une condition nécessaire à ce que je puisse décrire mon expérience comme du jeu de rôle. Oui, je dis que je fais du jeu de rôle quand j’ai l’impression d’incarner un personnage, mais ça n’a pas besoin d’être continu. A un moment, je suis dans un personnage, puis je saute dans un autre, et dans un autre… C’est à mes yeux le sens du mot figurant : un rôle qui attend d’être incarné, pour une minute ou pour la vie.

C’est à mon sens ce que donne à ressentir Ars Magica, où l’on incarne à la fois un mage et ses suivants. Ou Tombe & Oubli, où le rôle du personnage principal passe de joueuse ou joueuse, qui incarne des figurants entretemps.

C’est pour cela que quand je joue à Microscope ou à The Quiet Year, deux jeux où on n’incarne jamais très longtemps le même personnage puisqu’on joue la destinée de tout un peuple, je joue toujours au jeu de rôle. Je crois qu’avec les personnages et les figurants, je pratique le polyamour. C’est grave, docteur ?

Pour aller plus loin :
Thomas Munier, Sélène Tonon,
Podcast Outsider N°33 : Game Design Jeu de Rôle : Mon personnage et moi #4

Cet article fait suite à une ancienne discussion avec Simon Li (co-auteur avec Manon Li de Terres de Sang et de Damnés) qui souhaitait mécaniser/quantifier/récompenser l’implication des joueuses à la table de jeu de rôle. De son côté, Simon a opté pour les signes gestuels qu’il a incorporé dans Damnés, et de mon côté, cette discussion a continué à tourner dans ma tête.

image extraite de l’émission « L’école des Fans » (C)

Notre réflexion est partie des mécaniques déjà existantes qui étaient appliquées pour l’approbation. L’approbation d’une joueuse désigne le fait qu’une joueuse gratifie la création d’une autre joueuse de son aval et de son appréciation positive. Il existe des jeux, à dominance esthétique, qui cherchent à mécaniser cette approbation. Loin d’un signe méta-jeu donné de façon informelle (un sourire, un « waah », des marques d’attention), l’approbation devient ici visible et recherchée. On est alors à rebours des immersionnistes pour qui le simple fait de montrer qu’on apprécie la fiction serait briser la magie.
L’objectif de ces règles autour de l’approbation est de créer une boucle vertueuse : on part du principe que si les joueuses manifestent leur approbation, des blocages créatifs seront levés, les créations seront alors plus belles, les joueuses manifestent leur approbation, etc.

Pour aller plus loin :
Thomas Munier, Récompenses, Podcast Outsider

Personnellement, j’ai un souci avec les règles d’approbation. A mon sens, elles créent un sentiment de compétition qui me semble en fait contre-productif si l’objectif est une création de qualité. Dans Polar Base, chaque joueuse est évaluée pour la qualité de sa scène, et au final on désignera une gagnante. Ceci crée un sentiment de malaise : on perd le plaisir de créer une fiction à plusieurs puisqu’en réalité on joue les unes contre les autres. Nos évaluations sont moins que sincères : puisqu’on est censé juger ses adversaires (on est ici proche d’un design toxique), alors nous voilà tiraillées entre jouer pour la gagne (et systématiquement attribuer son jeton d’approbation à la joueuse qui nous fait le moins d’ombre) ou faire « l’école des fans » (et systématiquement attribuer son jeton d’approbation à la joueuse qui en a le moins). Ensuite, nous justifions pourquoi nous avons préféré la scène de la personne à qui nous avons donné le jeton d’approbation… mais en réalité nous ne le donnons jamais pour des raisons esthétiques. Ces jetons d’approbation sont justifiés officiellement dans le jeu parce que nous jouons en réalité moins nos personnages que des scénaristes à la fois en compétition et en coopération pour monter un film. Officieusement, je pense qu’ils traduisent de la part des designers une foi en la compétition comme motivation à la création, et peut-être aussi une pudeur à étiquetter comme « jeu de rôle » un jeu à large partage d’autorité : le jeu anticipant alors les critiques en affichant autant que possible tous les marqueurs du story game (on joue des scénaristes, les contraintes créatives sont affichées telles quelles, il y a une compétition pour la narration…). Polar Base est pourtant un jeu d’exception, si l’on retire toute cette dimension compétitive (et aussi le côté nanardesque de certaines contraintes créatives : ne les gardez que si vous aimez ça). Il était une fois est un exemple plus criant de jeu narratif où l’aspect compétitif ruine toute chance de faire une bonne histoire à plusieurs (et de conserver l’amitié des autres joueuses). Le jeu ne souffre pas d’un manque de mécaniques, mais d’un excès de mécaniques, et notamment de mécaniques d’approbation ici devenues des mécaniques de jugement qui tendent surtout aux joueuses des perches pour plomber toute tentative de narration élaborée de la part de leurs camarades. [Une analyse approfondie de Polar Base m’a apporté un tout autre éclairage sur l’intention du jeu : le vrai principe, c’est de faire des histoires pas gérables, les jetons ont été rajoutés à la fin pour rajouter la dynamique de « se mettre des bâtons dans les roues entre potes » . C’est un jeu ironique, que je rapprocherais d’un Les pilleurs de tombes de l’espace, fait par rapport à d’autres jeux narratifs de son époque, justement calibrés pour faire de belles histoires. Il était une fois marche si tout le monde est de bonne foi, et Polar Base marche si tout le monde est de mauvaise foi. Dans Polar Base, il faut donc comprendre les mécaniques d’approbation comme étant orientées d’une façon tout à fait différente d’un jeu ayant pour cœur d’intention de créer une belle histoire].

Prosopopée est un autre jeu de rôle esthétique connu pour ces mécaniques d’approbation. A l’occasion d’un test, j’étais très sceptique. J’étais très mal à l’aise à l’idée de devoir évaluer la qualité des créations des autres joueuses en leur attribuant des jetons d’approbation qui devaient leur être indispensables pour réussir leurs futurs jets de dés. La présence de la mécanique me paraissait d’ailleurs artificielle : pourquoi un personnage augmentait-il ses chances de réussite parce que les autres joueuses avaient apprécié la narration de la joueuse gérant le personnage : on avait ici plus qu’un problème de cohérence mécanique-fiction : on récompensait fictionnellement le personnage pour des actes extra-fictionnels. Malgré mes appréhensions, la partie a été assez magique. J’ai alors mieux compris le rôle exact des jetons d’approbation. Le fait qu’on finira forcément par les obtenir. Mais la vitesse à laquelle on les attribue dicte le rythme de la partie. De surcroît, on pouvait réconcilier cette mécanique avec la fiction si l’on partait du principe que les personnages, qui sont également en train de créer le monde dans lequel ils évoluent, en créant avec beauté (quand la joueuse décrit l’auberge dans laquelle entre le personnage, c’est en fait le personnage qui crée l’auberge dans laquelle il entre), gagnaient en harmonie avec leur monde, ce qui les empuissantaient et les rendaient plus efficaces ensuite à gérer les problèmes de ce monde. Le jeton d’approbation comme clepsydre du rythme narratif, marquant moins les beautés que les moments, s’est avéré une mécanique propre à permettre les silences et les lenteurs méditatives attendues dans ce jeu.

Je suis sorti de ces expériences convaincu du fait que jeu esthétique et compétition ne faisaient pas bon ménage, mais que montrer son approbation était une chose intéressante. L’approbation devaient être utilisée pour rythmer le jeu, marquer son évolution, et non juger les joueuses. Shades (de Victor Gjisbers) y parvient admirablement. Lorsque les joueuses racontent le passé de leur personnage-fantôme, les autres joueuses, muettes, peuvent seulement avancer des jetons d’approbation ou de réprobation. Mais ces jetons ne sont pas des « j’aime / j’aime pas » : ils marquent l’accord et le désaccord des fantômes par rapport à la version des faits qui leur est narrée, et ils fixent les points importants du passé sur laquelle on va vouloir revenir : ce sont des mécaniques pleinement collaboratives.

Quand j’ai conçu Le Témoignage, un jeu esthétique conçu pour générer des images et des émotions fortes, je me suis attardé sur ces deux préoccupations : montrer et rythmer. Quand un personnage ressent une émotion forte ou est confronté au phénomène choisi pour la partie, alors la joueuse peut le manifester en piochant un jeton dans une réserve commune. Mais si elle omet de le faire, une autre joueuse peut lui donner un jeton de la réserve commune, manifestant ainsi qu’à ses yeux, la joueuse est dans le ton et que le personnage franchit une étape. L’accumulation de jetons marque le rythme de la partie, puisque des choses se débloquent au fur et à mesure des gains de jetons. Et il est possible de refuser un jeton pour marquer qu’on en a encore sous la pédale, qu’on désire un temps de jeu plus long.

L’association entre approbation et rythme marque un premier glissement vers l’implication : il est ici moins important de souligner que la fiction est belle que de signaler qu’on est « dedans ».

Perdus sous la Pluie va plus loin. Les jetons d’approbation sont ici des réserves pour le personnage, qui lui permettent de se soustraire à la menace des sirènes de l’averse. Donner un jeton d’approbation à une joueuse, c’est prolonger l’espérance de vie du personnage d’icelle, et réduire d’autant celle de son propre personnage. Littéralement, les enfants de Perdus sous la Pluie, se cèdent du karma. Le jeu balance entre illustrer une solidarité dans l’horreur ou mettre en place une cruelle compétition compassionnelle : puisque c’est sans doute l’enfant dont la vie sera le plus chargée de pathos qui récoltera le plus de jetons d’approbation, et donc sera le seul à survivre à la fin.

Ce que Perdus sous la Pluie opère ici subtilement, c’est un glissement de l’approbation vers l’implication, et un glissement du jeu esthétique vers le jeu moral.

On se retrouve alors à jauger moins l’engagement créatif des joueuses que leur engagement psychologique, et que la motivation des personnages.

Pour aller plus loin :
Thomas Munier, S’engager corps et âme dans le jeu de rôle  (audio) (vidéo), conférence au Colloque Universitaire sur le jeu de rôle, Paris-Villetaneuse, 2017

La motivation des personnages est une sorte de cheval de bataille du design. Avec ses campagnes interminables et ses jeux à missions, le jeu de rôle était chargé de fournir une manne inépuisable de fun. Mais lorsque la concurrence des jeux vidéos, des jeux de société modernes et de bien d’autres distractions à effet immédiat se fit sentir, ce qui était une force du média devint facteur d’ennui.

« On s’emmerde dans cette aventure ! », c’est le cri poussé par le barbare dans la saga mp3 Le donjon de Naheulbeuk. Bien sûr, il faut comprendre ici que si le barbare s’emmerde… c’est sa joueuse avant tout qui s’emmerde.

Il y eut bien des approches pour remédier à ce problème structurel : des intrigues plus fortes, des illustrations et des univers plus engageants, des défis tactiques plus élevés, des campagnes et des parties plus courtes… Mais l’une des approches travaillant le plus directement sur l’implication est celle qui consiste à faire que le barbare va arrêter de s’emmerder.

La première approche est narrative : exit le jeu à mission pour aventuriers interchangeables, bonjour le jeu centré sur le personnage. Le barbare ne s’emmerde plus parce qu’au lieu de fouiller un énième donjon lambda, il fouille le donjon où est enfermé son papy adoré et tout ce qui trouve en travers de son chemin va se faire sérieusement botter le cul. Bien entendu, le jeu centré sur le personnage ne se contente pas d’un prétexte vite fait, d’une tête dans le frigo ou d’un proche kidnappé pour motiver le personnage : chaque péripétie de la narration va résonner avec son histoire intime et les quêtes de chaque personnage vont être résolument maillées entre elles. Inflorenza est ma tentative personnelle de pousser jusqu’au bout la logique du jeu centré sur le personnage.

Pour aller plus loin :
Thomas Munier, Comment faire du jeu de rôle centré sur le personnage pour le blog Scriiipt

Abandon du scénario au profit d’une intrigue improvisée autour des motivations du personnage, maillage des intrigues des personnages entre elles, sont le fer de lance d’Inflorenza. Mais le jeu va plus loin : il demande l’implication du personnage à tout moment. Car, même si le personnage est absent de la scène, il peut contribuer au lancer de dés par télépathie, et il a intérêt à le faire puisque les intrigues des autres personnages sont maillées à la sienne.

Gregory Pogorzelski déplore les jeux où les personnages sont toujours groupés sous prétexte qu’une joueuse absente de la scène va s’ennuyer. Il pense que la joueuse est en réalité tout à fait capable de suivre ses scènes par politesse. Eugénie ajoute de son côté que faire la pom-pom girl depuis le banc de touche est même un art consommé [Je sais qu’elle le dit, mais je suis infichu de retrouver la référence exacte, donc cher lectorat, si tu veux bien me la souffler, je serai joie]. Grégory Pogorzelski rajoute qu’après tout, si le jeu est cool, même les scènes dont notre personnage est exclu sont cool et dignes d’intérêt. Inflorenza a juste poussé le bouchon un peu plus loin en rendant les personnages télépathiques, ce qui de fait les empêche d’être jamais vraiment exclus d’une scène.

Pour aller plus loin :
Gregory Pogorzelski, Tous dans le minivan, sur Du bruit derrière le paravent

Dans les mécaniques d’Inflorenza, l’implication est littéralement le carburant du personnage. En effet, la quantité de dés à sa disposition est proportionnellement à la quantité de phrases d’historique en relation avec la situation de conflit : ce sont donc les personnages les plus impliqués qui sont les plus puissants. Les dés sont en eux-même des jetons d’implication qui seraient aussitôt réinvestis dans le conflit (contrairement à Prosopopée qui commence par une accumulation de dés avant de pouvoir les lancer). Jeter les dés, c’est prendre des risques, c’est donc aussi un acte d’implication fort en soi. On peut jeter les dés pour aider un camp ou pour s’y opposer, et on peut même faire… les deux en même temps, traduisant le déchirement intérieur du personnage. Mais le côté organique des mécaniques d’implication dans Inflorenza participe aussi à les masquer, à brouiller le message. En effet, un personnage qui reste neutre dans un conflit n’en est pas forcément moins impliqué : peut-être qu’il voudrait intervenir, mais n’en assume pas les risques… un tourment intérieur qui pourrait ici être invisibilisé par l’absence de recours à la mécanique, à moins que la table comprenne bien tout le poids que revêt cette abstention.

Pour aller plus loin :
Felondra, Quelle mécanique de jeu de rôle inspire le plus votre manière de jouer ?, sur Une Pincée de Fel

De son côté, Libreté prend le parti de rendre les mécaniques d’implication, plus visible, en redissociant l’accumulation de jetons et leur effet mécanique : je parle ici des jetons de bile noire, que les joueuses piochent pour signaler que leurs personnages en ont gros sur la patate. Outre cet effet, qui est déjà très fort, et qui peut être collaboratif (les joueuses vont spontanément se dire entre elles : « vu la situation, je te verrais bien piocher une bile noire »), l’effet retard est d’autant plus cool. Puisque la joueuse a le choix entre réinvestir ses jetons de bile noire dans ses futurs jets de dés (prenant alors le risque d’obtenir des réussites excessives : l’excès d’implication du personnage le poussant à des abus) ou les accumuler jusqu’à un point de craquage (et en tant que joueur de Libreté, c’est aller au craquage qui m’intéresse le plus).

Pour aller plus loin :
Eugénie, Jouer l’impact 1, sur JenesuispasMJmais

Voilà qui donne envie de faire de même à d’autres jeux. Laisser les joueuses baisser elles-mêmes leur jauge de santé mentale à L’Appel de Cthulhu, par exemple. A noter que c’est assez organiquement ce que propose Cthulhu Dark, en proposant à la joueuse de booster ses jets de dés à condition de mettre en jeu la santé physique et/ou mentale de son personnage.

Si on peut extrapoler l’implication de la joueuse à celle de son personnage, on peut aussi vouloir des mécaniques pour afficher directement l’implication de la joueuse. Les signes gestuels me semblent une excellente piste dans ce sens. Pour en citer certains que j’emploie dans Arbre et Dragonfly Motel, le pouce en haut pour demander plus d’intensité, et le pouce en bas pour en demander moins me semblent des cas probants, mais d’autres sont tout aussi intéressants :

+ les doigts croisés pour signaler qu’on n’a pas la même émotion / opinion que son personnage

+  le cœur avec les doigts pour signaler sa passion pour une scène (une mécanique d’approbation qui a le mérite de ne pas être reliée à une économie)

+  la carte « O » pour signaler un certain malaise tout en demandant de continuer dans cette direction [carte inventée par Kira Scott, la référence est sur son blog Gaming as Women qui a disparu, et oui, c’est une catastrophe]

+ le plateau « en jeu / sur le banc de touche » de Dragonfly Motel

+ ou encore, jouer avec sa position (penchée en avant, penchée en arrière) pour signaler son implication ou son besoin de retrait (qui peut aussi être justifié par l’envie de laisser plus de place aux autres)…

Pour aller plus loin :

Felondra, Les signes gestuels : petit mode d’emploi, sur Une pincée de Fel’

L’implication est d’autant plus mécanisée qu’on en rencontre dans le hors-jeu : briefing et débriefing, interscénarios en duo MJ-PJ, jeu persistant, se jouer soi-même…

C’est une impression générale qui connaît des exceptions, mais en général je dirais que plus l’implication est importante et mécanisée dans un jeu, plus on glisse d’un jeu esthétique à un jeu moral : la deuxième forme étant justement plus à la recherche de l’implication. Et de se demander, d’ailleurs, où Sens Hexalogie veut en venir en ludifiant l’implication par le biais de sanctions des « sorties de piste » que sont les points d’immersion négative…

Et à l’inverse, plus un jeu veut s’éloigner du moral et du politique, plus il mécanise la faible implication : présence de l’humour, rappels récurrents que ce n’est qu’un jeu et qu’une fiction, rythme de jeu distendu encourageant les décrochages…

Pour aller plus loin :
Olivier Caïra – En défense des rôlistes somnolents, conférence au Colloque Universitaire sur le jeu de rôle, Paris-Villetaneuse, 2017

Et quand il s’agit justement de juger de la puissance politique d’un jeu, je dirais la chose suivante : la portée éthique d’un jeu doit se juger dans l’engagement moral de la joueuse, dans sa réaction passionnée, et non dans le fait qu’elle soit convaincue ou non par le propos. Si les joueuses s’en fichent, alors il est probable que le jeu ait raté son coup.

Quand dans un jeu, la narration et les mécaniques se contredisent, on parle de dissonance ludo-narrative et c’est souvent pointé comme étant une faute majeure de design.

Pourtant, j’ai le sentiment que cette dissonance ludo-narrative est précieuse quand elle ouvre en grand les portes de notre interprétation.

Rachelle, cc-by-nc, sur flickr.com

Il se pourrait que nous fassions une fixette malvenue sur la cohérence. Les jeux se devraient d’être cohérents, et ce besoin de cohérence dans une oeuvre de l’imaginaire s’avère parfois aussi incongru que le besoin de réalisme.

Pour aller plus loin :
Frédéric Sintes, le réalisme est une chimère, sur Limbic Systems
Steve Jakoubovitch, La dissonance ludo-narrative, chronique dans le podcast Radio Rôliste #77

« La vie sera toujours plus surprenante que la fiction car elle doit être convaincante, alors que la vie n’a pas à l’être. », disait Mark Twain (et apparemment pas mal d’autres, cette citation est attribué à de nombreuses personnes). Or, dans les jeux célébrés comme réussis, tout est aligné, la fiction et les mécaniques. Aucun grain de sable dans le rouage. Aucune déviation dans le respect de la physique ou de la métaphysique proposés. Une philosophie cohérente et si parfaite qu’elle en est suspecte. Pour tout dire, simpliste.

Pour aller plus loin :
Thomas Munier, Les jeux de rôle spécialisés : un pousse-à-la-consommation ?, sur Outsider

Les jeux de rôles Monostatos de Fabien Hildwein et Sens Hexalogie de Romaric Briand ont une chose en commun : ils vous proposent de jouer des héros libérateurs mais présentent des mécaniques de jeu particulièrement cadrantes, et pour tout dire oppressantes. Il y a tout lieu de pointer là une dissonance ludo-narrative, et pour tout dire je l’ai fait par le passé pour dire que ces jeux étaient problématiques.

Mais voilà. Cette contradiction apporte une grande profondeur. Parce qu’avant de jouer, pendant le jeu, et après le jeu, nous allons en discuter. Nous allons essayer de comprendre pourquoi le jeu nous donne des injonctions contradictoires, pourquoi il nous invite à nous libérer et libérer les autres tout en nous enfermant dans un carcan. Pourquoi il nous impose la rébellion. Or, ceci produit une réflexion fertile qui enrichit notre expérience de jeu, et pour tout dire, nourrit une réflexion philosophique qui nous servira par ailleurs.

Pour aller plus loin :
Thomas Munier, Intensité et Profondeur, article et podcast sur Outsider

Thomas Munier, Entre les règles et l’aventure, la philosophie du jeu sur le forum Les Ateliers Imaginaires

Quand je lis, joue ou critique un jeu, je ne cherche pas à savoir si l’auteurice a placé cette dissonance à dessein ou si c’est juste une erreur de design. Je m’intéresse avant tout à ce qu’elle produit : une philosophie de jeu complexe qu’il me faut détricoter.

Les jeux vidéo Uncharted et Bioshock : Infinite sont souvent montrés du doigt pour une dissonance ludo-narrative assez proche. Dans Uncharted, le héros est censé être un gars sympa, qui multiplie les traits d’humour. Pourtant, le jeu l’amène à liquider des adversaires par dizaines. Dans Bioshock : Infinite, le héros est un vétéran lassé de faire couler le sang. Et rebelote, le jeu l’amène à massacrer des adversaires à la chaîne.

C’est très facile d’y voir des erreurs de design et de suite, on se sent très intelligent de ce constat, mais ça ne nous mène nulle part. Cela a déjà le défaut de nous priver de tout plaisir de jeu. Ou on peut tenter une autre lecture.

Le héros d’Uncharted pourrait fort bien symboliser notre civilisation, aveugle à la violence du moment qu’elle est légitim(é)e. Du moment que le héros trucide des personnes qui ont été désignées comme les méchants de l’histoire, ses adversaires sont déshumanisés, ce ne sont que des choses, et le fait de les tuer ne fait jamais du héros un meurtrier. A aucun moment, ça ne lui enlève son statut de gars sympa qui fait des blagues. Remplacez « adversaires » par « méchants terroristes », par « mouvements sociaux » ou par « animaux » et vous aurez compris la dissonance cognitive dans laquelle le héros d’Uncharted est plongé au quotidien.

Je peux aussi faire une lecture moins sombre d’Uncharted en affirmant que c’est un jeu humoristique. Que le contraste entre la gouaillerie du héros et ses performances létales est du même tonneau qu’un Belmondo dans le film Tribulations d’un chinois en Chine (ou le héros se fait livrer ses adversaires par camions entiers). Des lors, je songe au film sorti dix ans plus tard, Le Magnifique, même réalisateur, même acteur, qui renforce le grotesque de la situation par une mise en abîme : on suit un écrivain raté dont les romans d’aventures lui font vivre une vie de héros fantasmé. A nouveau, des adversaires massacrés par dizaines, mais la violence est beaucoup plus graphique, avec des hectolitres de sang à la couleur spécialement dosée pour qu’elle fasse faux à l’écran. Peut-être qu’Uncharted nous crie que c’est pour de faux, que c’est pour rire, et qu’à sa façon le jeu nous invite à prendre beaucoup plus de recul à la violence « légitime » que des titres plus premier degré ne le feraient.

Dans Bioshock : Infinite, le héros n’est pas gouailleur, il est désabusé, littéralement atteint d’un syndrome post-traumatique, mais à nouveau, ce sont les circonstances qui le forcent à tuer encore et encore, puisque l’ennemi n’a pas renoncé à frapper. Ces circonstances sont incarnées par les mécaniques de jeu (un équipement martial mis à disposition, des adversaires lancés sur vous, engagés dans un combat à mort), ce qui me fait penser que détacher les mécaniques de la fiction peut nous conduire à des erreurs de jugement. Les mécaniques sont des circonstances.

Certes, le héros retourne au combat malgré son vœu de retraite. Mais qui nous dit qu’il le fait de gaieté de cœur ? La vie intérieure du héros nous appartient, nous qui sommes son interprète en le jouant. Il ne tient qu’à nous d’expérimenter son déchirement moral.

Qu’avaient en tête les designers de ces deux jeux vidéos lorsqu’ils ont placé cette dissonance ludo-narrative ? On peut envisager une volonté de créer un propos ambigu, tout comme on peut suspecter des querelles entre scénaristes et développeurs, des contraintes techniques ou tout simplement de public : concevoir un triple A sans des kilotonnes de baston ressemblant à un suicide commercial. On peut même les accuser d’une célébration décomplexée de la violence légitime, et que leur tentative de rendre les protagonistes attachants ne fait que dénoncer leur mascarade.

Mais à nouveau, ce qui se passe dans la tête des designers m’importe peu. Ce qui compte, c’est ce que ça produit sur mon interprétation. Et dans ce cas précis, la dissonance ludo-narrative apporte une grande profondeur, à peu de frais pour le design, puisqu’ici on ne parle pas d’un assemblage complexe de règles comme dans le vide fertile, mais juste d’une narration et d’une mécanique qui se contredisent, et qui nous offre sur un plateau un grand matériau de la réflexion sur la condition humaine : l’inadéquation entre les paroles et les actes.

En jeu de rôle, je n’ai pas envie que mon personnage soit cohérent, ni ceux que je vais côtoyer. J’ai envie qu’ils soient traversés de contradictions, qu’ils soufflent le chaud et le froid, et que leurs motivations soient difficiles, voire impossibles à saisir, pour moi comme pour eux. Qu’ils soient humains. L’incohérence, c’est mon réalisme à moi.

Mettez de la dissonance ludo-narrative dans vos jeux. S’il vous plait.